众嘉宾与艺术家韩梦云合影
【本报记者程明越】主题为“无定／In Between Islands”的旅美画家韩梦云个人画展于7月7日下午三点在北京今日美术馆1号馆4层开幕。展览时间由7月7日－－7月21日。今日美术馆馆长谢素贞、雅昌集团董事长万捷、中信银行北京卡中心总经理刘可东以及丹麦UEG总裁TeitRitzau等嘉宾出席开幕式。
韩梦云的“无定”世界
本次画展由四组油画组画、一组瓷板画与一组水墨画组成，分别是“洗心”、“游心”、“在宥”、“代序”，以及“断竹”与“即体”。画展名出自前苏格拉底哲学家阿那克西曼德，意谓世间万物的本原，因其化生一切，包括相反的事物，故其自身必无任何限定与规定，是为“无定”。这不仅是对韩梦云的抽象画之风格的描述，更是对其创作动机的阐释。
画展中所有作品共同建立了一个新的世界，这个各自抽象却又彼此共振的世界，向我们揭示的是我们的存在与存在于其中的世界，就其本质而言，绝非对象性与概念式的。一如画展的英文名 “IN BETWEEN ISLANDS”所暗示的那样。
这些画作并不是对自然的描绘，而是对本身即为抽象的本质或理念的表现。比如在《洗心》这一些列中，韩梦云关心的主题就是“时间”：“当我创作《洗心》系列中的四幅组画时，我脑中想的是T。 S。 Eliot的《四首四重奏》。其中出自《东科克》的这个句子：‘在我的开始中是我的结束／在我的结束中是我的开始’给了我使用循环结构的灵感，这样在看这组作品时，终点与起点就交织在了一起。在排列这些画作时，我考虑的是让观者能够在沿着画走动时，感觉到时间的存在，就像在看一副中国长卷时的体验一样。我试着创造出一个抽象的叙事，它包括四幅视觉上差异很大的作品，同时又组成一组垂直的四屏，在时间与空间上都既是单幅的，但又是连续的。当观者边看边走时，这组作品可以被循序渐进地阅读，也可以同时视为一个整体。这种观看的循环揭示了时间的人工性，但也唤醒了对永恒的意识。”
追求无限无形的思辨艺术
如果传统绘画可谓是再现的艺术，而韩梦云的绘画就可称之为思辨的艺术。伟大的再现艺术关心的是“事物之中的普遍性”，而韩梦云关心的是普遍性本身，也就是“前于事物的普遍性”。她的画作给人的第一印象就是沉郁与厚重，随之细微处的丰富色彩与层次开始涌现，当观者沉浸在画作所构成的世界中时，这种笼罩式的宁静唤起的不是模糊的个人情绪，而是精确但无法被言说的情绪本身－－也就是她希望描绘的“理念”。至于情绪的本体论意义，海德格尔早在《存在与时间》中为我们指明。
美国艺术评论家古德曼在访问韩梦云是何时开始知道自己是一名艺术家时，韩梦云说，“从小学就开始接受的艺术教育，让我觉得自己是艺术家的念头是与生俱来的”。
韩梦云，1989年出生于武汉市，儿时随父母在深圳成长，后求学于美国，本科毕业于美国巴德学院，目前就读于罗格斯大学新伯朗士威校区艺术学校，并担任助教。韩梦云的创作媒介集中于油画和装置。
韩梦云表示，海外求学，获益最多的即是“批判性”，这让她习惯于质疑一切事物，甚至包括这些教育本身。在看待艺术上，也不外乎是这种态度，无论是东方的艺术还是西方的，过去的还是现在的。韩梦云强调，西方的传统，虽然在作品的技术与材料方面丰富了创作，但已经无法再助其更进一步，因为中国哲学给了她新的洞见，而这些洞见能够带给艺术不同的精神结构。
自2009年起，韩梦云尝试将中国古代山水画的审美和情感与西方抽象绘画的表现形式相结合。传统的山水画描述道所生的万物，而韩梦云寻找的是无限无形的道本身，而唯有抽象，这个不可定义不可思辨的表达，让它可以什么都不是，正是因为“无”，才能拥有一切可能。
韩梦云表示，中国山水画深受道家影响，其对空、无的理解就反映在绘画时的留白中。留白是利用宣纸的空白来进行构图的一种方式，当空白处与墨迹并置时，它就揭示出空白是如何被定义为特定空间的。《道德经》第十一章说道：“埏埴以为器，当其无，有器之用。”因此中国绘画中的空白处不是一种真空，而是像一个锅中的空间，它的潜能就在于被填满，在于诱发出每一个可见、可感、可欲的事物的可用性。空让观者可以自由地深入理解未知，同时也默认了文化共性与人性：
“这个认识给了我许多理解并比较中西方绘画的洞见，而我的《游心》系列就是我对白的不同用法的尝试，比如白色物体的白，与黑相对的白，以及看似未涂完的底料的白。借助油画的材料与工具，我尝试描绘出一种感性，一种源自中国文人画以及中国书法黑白体系的感性，在其中即兴的笔刷会产生出抒情与有韵律的线条。道家文化对我来说很重要，是因为它帮我理解了中国不同画家、不同时代之间山水画的共性，以及这些哲学理念逐渐影响中国文化的方式，至于中国文化，在我负笈海外五年之后，我终于完整地接受了它，而这也会在我将来的发展轨迹中深刻地影响我。”
